中华时报英国讯（记者:张书珍 摄影记者:黄敏燕）2026年10月27日，Roots & Rhythms International Knowledge Exchange Symposium 2026 在英国剑桥艺术学院（Cambridge School of Art, Anglia Ruskin University）举行。来自中英高校及专业艺术机构的学者、艺术家、教育工作者和创意实践者齐聚剑桥，围绕艺术教育、创意实践、跨学科合作及国际知识交流展开讨论。
此次研讨会由国际访学联盟 IVAS（International Visiting Academics&Scholars Ltd）与剑桥艺术学院联合主办，湖南郴州坳上全相古镇协办。项目通过高校、艺术机构与地方文化资源之间的联动，探索国际知识交流、艺术实践与跨文化合作的更多可能。
本次研讨会邀请了来自中英多所高校及专业艺术机构的嘉宾，参与机构包括中央美术学院（Central Academy of Fine Arts）、伯恩茅斯大学（Bournemouth University）、剑桥艺术学院（Cambridge School of Art, Anglia Ruskin University）、牛津大学(University of Oxford)、剑桥大学(University of Cambridge)、伦敦电影学院（London Film School）、伦敦艺术大学（University of the Arts London）以及英国皇家版画协会（Royal Society of Printmakers）。
嘉宾背景横跨艺术教育、创意实践、高等教育研究、电影、国际合作及专业艺术领域。不同院校、学科与实践背景的参与者汇聚在同一空间，使当天的讨论并未局限在某一专业框架内，而是在艺术、教育、研究与国际合作之间不断展开。
与许多以“高校国际化”为主题的会议不同，Roots & Rhythms 并没有把讨论重点放在招生规模、合作协议或学生流动本身，而是进一步追问：
当学者、艺术家和教育工作者真正进入另一所院校、另一种文化和另一套专业语境之后，知识是如何发生流动的？
这种流动又会留下什么？
是一次短期访问带来的新经验？
是一种创作方法的改变？
是一段跨学科合作的开始？
还是一段可以持续发展的国际关系？
这些问题，也成为当天不同演讲之间的一条潜在线索。
1. 从观察走向想象：地方如何进入创作
剑桥艺术学院 Jeff Crosby 以《Observation to Imagination: an exploration of place through drawing》为题展开首场分享。根据最终议程，他是当天第一位主题发言嘉宾。
这一题目把“观察”“地方”与“想象”联系起来，也与 Roots & Rhythms 对地方经验的关注形成呼应。
对于艺术家而言，一个地方并不只是被观看和记录的对象。观察往往同时伴随着记忆、经验和主观理解。绘画因此不仅是再现眼前所见，也可以成为理解地方、建立个人回应和重新组织经验的一种方式。
从这一角度来看，创作本身就是知识形成的过程。
2. 从本土经验出发：重新理解插画与书籍艺术教育
中央美术学院武将教授与谭坦以《Localized Exploration of Illustration and Book Art in Art Education》为题，讨论插画与书籍艺术教育中的本土化探索。该题目在最终议程中列为上午第二场发言。
在全球艺术教育不断交流、借鉴的背景下，“国际化”并不意味着不同国家最终采用相同的教学方式。
相反，本土文化、视觉传统、社会环境及既有教学经验如何进入课程与创作过程，本身就是国际交流中值得讨论的问题。
从这个意义上说，国际交流并不是单向输出某一种成熟模式，而是不同教育传统之间的理解、比较与重新思考。
3. 剑桥大学：创造力为什么应该是复数
剑桥大学 Pamela Burnard 教授的演讲题目为《Why the plurality of creativities and the possibility of possibilities in professional practices matter?》。
值得注意的是，题目使用的不是单数 creativity，而是复数 creativities。
创造力是否只有一种标准？
如果创造力会因文化、专业环境、教育背景和实践方式不同而呈现不同形态，那么艺术教育和专业实践也需要为不同的创造方式留下空间。
题目中“the possibility of possibilities”的表达，则进一步将讨论指向开放性。
教育、研究和专业实践是否能够容纳尚未被预先定义的可能，或许比寻找一个固定的创造力模型更加重要。
4. David Ferry：从反讽进入艺术实践
David Ferry 教授以《Mining for Iron(y)》为题展开分享。最终议程将其列为上午第四位发言嘉宾。
题目通过“Mining”和“Iron(y)”之间的文字关系，把“挖掘”与“反讽”联系起来。
反讽往往产生于期待与现实之间的错位，也可能来自图像、语境与意义之间的不一致。
在视觉艺术和拼贴实践中，这种张力本身就可以成为一种创作资源。
因此，这一主题也提醒人们，艺术并不总是通过明确结论传递知识。
有时候，不确定、矛盾和多重解读本身，正是促使观众重新思考的方式。
5. 牛津大学：创意艺术如何帮助我们重新理解“高等”教育
下午的讨论由牛津大学 David Mills 教授继续推进。
他的演讲题为《Learning Otherwise: How the Creative Arts Help us Rethink ‘Higher’ Education》。
“Learning Otherwise”这一表达，使问题不再只是“艺术如何进入高等教育”，而是进一步追问：
创意艺术是否可以反过来帮助大学重新理解学习本身？
当学习不再只通过课堂、文本和传统学术成果发生，而可以通过制作、体验、观察、合作及实践产生时，高等教育对于“知识”和“学习”的理解也需要随之扩展。
这也与当天研讨会的整体主题形成呼应：知识并不只存在于传统学术文本之中。
6. 伦敦电影学院：电影剪辑也是一种语言
伦敦电影学院 Marek Budzynski 的演讲题目为《Pictogram-based Languages and Their Relation to Film Editing》。
电影剪辑并不仅是一项技术工作。
镜头如何排列、图像之间如何形成关系、节奏如何变化，都会影响观众理解内容的方式。
如果将影像视为一种视觉语言，那么剪辑本身也可以被理解为组织符号和意义的过程。
这种视角进一步扩展了当天对“知识表达形式”的讨论：有些经验可以通过文字说明，而有些则必须通过图像、时间和观看过程才能被理解。
7. 伯恩茅斯大学：从城市边缘重新审视社会参与式电影
伯恩茅斯大学 Nick Gray 博士以《Socially Engaged Film from the City’s Margins》为题，把讨论带向社会参与式电影以及城市边缘经验。
这一题目提出的问题不仅关乎电影制作，也涉及谁能够被看见、谁有机会讲述故事，以及影像创作如何与社区产生关系。
当镜头从城市中心转向边缘地区，电影便不只是记录现实，也可能成为理解不同社会经验的一种方式。
社会参与式电影因此也涉及创作者与被记录者之间的关系，以及影像如何让通常不容易进入主流叙事的经验获得表达空间。
8. 伦敦艺术大学：《Infinite Fracture》与跨学科实践
当天最后一位主题发言嘉宾是伦敦艺术大学 Darryl Clifton，其题目为《Infinite Fracture》。
“Infinite Fracture”是一个具有开放性的题目。
Fracture 可以指断裂、分化，也可以理解为原有边界被打破之后产生新的组合。
放在当天跨学科的讨论环境中，这一题目也容易让人联想到不同知识体系之间的边界。
当艺术、设计、教育、社会研究及新技术彼此接触时，原有的专业分类并不一定消失，但它们之间可能出现新的连接方式。
知识也往往正是在这种接触、摩擦和重新组合中产生新的可能。
9. 八场演讲，回到同一个问题：知识如何流动？
从绘画、插画、书籍艺术到创造力、高等教育、电影语言、社会参与式实践及跨学科创作，八场主题演讲看似各自独立，却最终指向了一个共同问题：
知识如何在人、学科、机构和文化之间发生流动？
有人通过绘画重新认识地方。
有人从本土艺术教育讨论国际交流。
有人重新审视“创造力”的多元性。
有人从反讽、电影语言和城市边缘经验重新理解艺术实践。
也有人进一步追问，创意艺术是否能够帮助大学重新认识“学习”本身。
这种差异本身，也体现了此次研讨会的跨学科特点。
真正的跨学科，并不是简单地把不同专业的人放在一个房间里。
更重要的是，不同领域的人是否愿意理解彼此的问题，解释自己的方法，并接受其他学科可能提出完全不同的观察角度。
当天最后的圆桌讨论由 Minyan Hiam 与 Jeff Crosby 共同主持，邀请嘉宾及参与者继续就当天不同主题展开交流。最终议程将圆桌讨论、闭幕致辞及交流酒会列为会议总结环节。
10. 艺术实践，也是知识交流
Roots & Rhythms 研讨会同时与 Ruskin Gallery 鲁斯金艺术馆举行的展览相互呼应。
这并不是简单地把“学术会议”和“艺术展览”安排在同一个项目中。
更重要的问题是：
什么才算知识？
在传统高等教育体系中，知识通常通过论文、专著、研究报告及学术会议传播。
但对于艺术与创意学科而言，知识也可以存在于一件作品、一种材料、一种制作方法、一段地方经验，甚至一个人的生活记忆之中。
艺术家并不一定先形成完整理论，再通过作品将其表现出来。
很多时候，理解正是在创作过程中逐步形成。
因此，艺术实践本身可以成为知识生产的方式。
展览也不只是呈现已经完成的作品，而可以成为知识交流发生的现场。
11. 从“项目数量”转向“关系质量”
国际合作领域常常容易用数量衡量成果。
举办了多少活动？
签署了多少协议？
有多少参与者？
但一个更难回答的问题是：
项目结束之后，还留下了什么？
一次会议之后，参与者是否还会继续联系？
一次访问之后，会不会产生新的研究或教学合作？
一场展览之后，艺术家之间是否会继续共同工作？
尤其在当前高等教育环境不断变化的情况下，国际合作的质量越来越值得关注。
合作是否互惠？
不同背景的人是否真正进入了对话？
一次短期交流是否能够形成持续关系？
相比单纯追求更多项目，这些问题可能更接近国际合作真正的价值。
12. 人，始终是国际合作的核心
高校之间的合作通常需要正式协议。
但真正让合作继续发展的，往往不是文件本身。
而是具体的人。
有人愿意主动联系。
有人愿意继续讨论。
有人提出下一步想法。
有人愿意在合作过程中投入时间和信任。
国际合作最终仍然建立在人与人的关系之上。
这一点在艺术与创意领域尤其明显。
很多合作并不是从一份完整计划开始，而是从一次作品讨论、一个共同兴趣，或者一句“我们是否可以一起做点什么”开始。
正式合作可能发生在后来。
但真正的起点往往更早。
13. 从剑桥继续出发
Roots & Rhythms 并不把剑桥作为项目的终点。
下一阶段项目计划于2027年6月在纽约 Hudson Gallery 举行。
与此同时，项目也欢迎艺术家和学者申请参与中国湖南坳上以及东南亚其他地点的驻留机会。
这些驻留所关注的，不只是最终作品或研究成果，也包括参与者进入不同文化和地方环境之后所产生的观察、理解和关系。
驻留并不是简单地换一个地方工作。
它更像是暂时离开熟悉环境，进入另一种文化和生活节奏，并重新审视自己的研究或创作。
这种经验可能成为新的作品。
也可能产生新的研究问题。
更可能成为一段长期合作的起点。
14. 国际教育的下一步：从“去了哪里”到“发生了什么”
如果要从此次剑桥研讨会中提炼一个值得继续讨论的问题，也许可以这样表达：
国际教育真正值得关注的，已经不只是“谁去了哪里”，而是“去了之后发生了什么”。
学生流动仍然重要。
合作办学仍然重要。
高校之间的正式协议也仍然重要。
但如果国际化最终关乎知识、理解和关系，那么高校也需要更加认真地关注学者、艺术家和实践者之间那些规模不一定大、周期可能更长、却有可能产生深远影响的交流。
国际合作不一定总是从宏大的战略开始。
有时候，它只是从一次真正有内容的对话开始。
而当这场对话被继续下去，它可能发展成研究、教学、创作、访问，甚至是一段持续多年的合作关系。
这或许正是知识真正开始流动的地方。
